Comentario realizado por: Pons Tello - 2007-07-06 00:00:00
Título obra: Mirada Atencional (detalle1) - manuelmata
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Cuando miramos un ojo, somos mirados y a la vez el ojo es mirado por nosotros. En esta doble contemplación radica una de la ambigüedades de toda visión: la mirada nunca es unidireccional, sino que el acto mismo de mirar significa la búsqueda de una respuesta o de otro que mire también, que nos mire: es la búsqueda quizás de nuestro referente físico o espiritual, quizás la búsqueda de nuestro contrario. Reflejarse en los ojos de otra persona es una forma tan buena como cualquier otra de conocerse. El ojo deviene un espejo diáfano que no sólo refleja imágenes, sino que las captura y las asimila. Se diría que el ojo recuerda, siente, piensa. El órgano ocular es el sol que ilumina los contornos a veces difusos del conocimiento y la experiencia. El pensador helenístico Plotino venía a decir que el ojo no tendría la facultad de ver el sol si no fuese en cierto sentido un sol. Como posible astro rey, el ojo ilumina, y como espejo, refleja y puede ser atravesado, simbólicamente, hacia otros mundos y otras dimensiones. En esta obra de Manuel Mata Gil, el ojo tanto puede sugerir un planeta captado desde el espacio exterior como un cuerpo pluricelular observado a través del microscopio. En ambos casos, esta mirada atencional sugiere la forma de un cerebro compuesto de espirales metálicas, casi laberintos enroscados que se sedimentan sobre un fondo de rostros humanos. El mismo rostro repetido hasta la saciedad. El ojo obsesivo no descansa. La visión de ese rostro, de esa persona, quizás de esa pasión, permanece viva en los laberintos de la memoria. Sólo muere de verdad quién es olvidado por completo. |
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El filósofo Martin Heidegger no sitúa las raíces en el pasado, sino en nuestro futuro, en donde el origen coincide con el destino. La pintora Maria Aminta Henrich Nonone parece asumir por completo este planteamiento filosófico. Para Aminta, al igual que Heidegger, el retorno a los orígenes no es un viaje nostálgico al pasado, sino la única manera posible de reconocerse, de encontrarse a sí misma y de proyectarse hacia el devenir. Pretérito y futuro forman parte del movimiento circular que mueve todas las cosas. En la dinámica del círculo y de los ciclos, todo se integra con todo. Ciertos dibujos de figuras de la cultura nazca sólo puede ser observados desde lugares elevados. Ya los ancestros reclamaban mirar las cosas desde una cierta altitud de miras. Para comprender los cuadros de Aminta primero hay que mirar al cielo, al firmamento, y sorprenderse con la belleza y la complejidad del universo como si se contemplara la escena por primera vez. Seguro que las estrellas de una noche clara sorprendieron a los antiguos humanos y tal vez alguno, con mirada ingenua, hizo ademán de coger uno de esos cuerpos celestes creyendo que eran el brillante fruto de un gran árbol cósmico. Las composiciones pictóricas de Aminta atesoran esa mirada original que sabe encontrar la luz entre las tinieblas y nos hace alargar la mano en busca de una realidad superior. La mitología de los antepasados nos marca el itinerario a seguir. En el eterno movimiento circular, retornamos a los orígenes que es lo mismo que decir que viajamos con paso firme hacia el futuro sin perder la memoria de lo que fue y también de lo que será. |
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En un mundo falsamente optimista, la voz del que se hunde en las arenas movedizas de la existencia pide socorro. Es un acto de desesperación, pero también de protesta indómita. En esta escultura, como en el célebre cuadro de Edvard Munch, se manifiesta el grito de los excluidos. Seres fuera de lo normal, extraordinarios en su diferencia pero incómodos para sus semejantes, que no encuentran asilo anímico ni espiritual en una sociedad sin fundamentos de verdadero humanismo. La persona es un ser viviente que habla y la palabra, el lenguaje, transforman su vida y su cuerpo. Transforman su boca. Esa cavidad de donde emana el verbo, se convierte en el vehículo emisor de sus emociones, de sus placeres, de sus angustias. Gritar equivale a fracturar el silencio con un puñetazo sonoro. El grito es la señal de alarma del alma. No se grita porque sí. El náufrago del desamparo reclama una tabla de salvación, un espacio mental y físico donde asirse y sobrevivir con dignidad. El artista, en cierto modo, se parece a este náufrago que lanza al océano botellas con mensaje. Sabe que la probabilidad de que su obra sea recogida y entendida es mínima. Pero su acto posee legitimidad, porque todo lo que está cargado de significado y de rigor deviene auténtico y sobre todo necesario. Lejos de lo decorativo y lo convencional, Rafael Piedehierro es un superviviente artístico, un rebelde con causa que no desfallece ante las adversidades. Un librepensador descontento que manifiesta, con gritos escultóricos como el que contemplamos en esta expresiva obra, que un mundo mejor es posible. |
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Comentario realizado por: Pons Tello - 2007-06-26 00:00:00
Título obra: LA VENUS DEL LIMBO. - Froilan. Al otro lado del espejo de la mente se ocultan realidades que van más allá de la mirada cotidiana. Penetramos en dimensiones desconocidas. Un sueño, una imaginación, el seguimiento de un gesto intuitivo, un posible augurio, el azar, pueden convertirse en la llave de una esas puertas que se abren al “otro lado”. El poliedro mental es caprichoso y da vueltas sin cesar. Cada posición geométrica construye un universo entero. La persona ya no es dueña absoluta de la razón. El pensamiento se libera de la tiranía del raciocinio y circula sin barreras por el infinito territorio del cerebro. En este óleo de Froilán León Orozco la “Venus de Milo” clásica se transforma en una Venus que está en el Limbo, quizás en aquel Limbo de la “Divina Comedia de Dante Aligheri, espacio neutral e indefinido donde permanecen las almas de los grandes artistas de la Antigüedad. Sin duda la ironía es uno de los motores que hace funcionar el complejo poliedro mental y permite recrear situaciones insólitas. Toda obra es susceptible de ser interpretada, al menos hasta cierto punto. Pero hay planteamientos pictóricos cuya naturaleza no permiten el hecho tranquilizador de colgarles una etiqueta y clasificarlos con demasiada estrechez en uno u otro movimiento artístico. Hay obras que devienen portales de paso. Que son una invitación a penetrar en mundos paralelos, lugares nunca vistos donde lo fantástico e inquietante gobiernan sin ninguna ley concreta. Veo a Froilán León Orozco como una suerte de guía pictórico que nos acompaña por extrañas geografías que están a medio camino entre el consciente y el subconsciente, algo así como el viaje metafórico que planteaba Dante en la “Divina Comedia”. Aceptar la inseguridad de lo desconocido, subida a los cielos o descenso a los infiernos mentales, ya depende del espectador, pero creo que el viaje alucinante que se nos propone, no exento de riesgos, vale mucho la pena. |
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Comentario realizado por: Pons Tello - 2007-06-20 00:00:00
Título obra: Metha Morphe II - rafaelpiedehierro El cuerpo ya no es el templo del yo estable, sino el lugar donde se originan las mayores transformaciones. No hay control sobre los acontecimientos. La identidad, en evolución constante, queda cuestionada ante el sufrimiento del cambio cruel y la constatación de un destino efímero. El rostro regresa a esa animalidad de la que quizás nunca debió salir. La cabeza es un amasijo de ideas, un grito mudo de terror y de esperanza incierta. No hay nada que esperar. Sólo las consecuencias irrevocables de la metamorfosis. Así la como la crisálida revienta para dar paso a un ser de vida demasiado breve, la persona descompuesta, inacabada, se debate en su propia fragilidad, en su propio aspecto larvario que le conduce a un camino tortuoso y sin retorno. El dolor esculpe la expresión con su cincel de bisturí quirúrgico. Disecciona la memoria, los momentos, las emociones y los convierte en pura distorsión facial. La boca, los ojos, devienen agujeros cósmicos, abismos insondables donde el alma se precipita hacia las más angostas profundidades. Sartre decía que “el infierno son los otros”. Rafael Piedehierro, en esta potente obra, parece afirmar que ese infierno late como un corazón de llamas en nuestro propio ego. Morir abrasados por nosotros mismos y renacer periódicamente. Cumplir el ciclo: terminar para volver a empezar. Burlar las rutinas de la mirada y los convencionalismos. Romper los esquemas, aunque sean suaves y confortables como capullos de seda, y arriesgarse a asumir una nueva transformación, una de tantas, a la búsqueda de esa difícil identidad. |
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En su libro “El mundo como supermercado” (Anagrama), el escritor francés Michel Houellebecq plantea un análisis implacable e impecable del estado actual de las cosas que se vive en este mundo contemporáneo de compraventa y mercantilismo: "Tienes que desear. Tienes que ser deseable. Tienes que participar en la competición, en la lucha, en la vida del mundo. Si te detienes, dejas de existir. Si te quedas atrás, estás muerto. La publicidad fracasa, las depresiones se multiplican, el desarraigo se acentúa; sin embargo, la publicidad sigue construyendo las infraestructuras de recepción de sus mensajes. Sigue perfeccionando medios de desplazamiento par seres que no tienen ningún sitio adonde ir porque no están cómodos en ninguna parte; sigue desarrollando medios de comunicación para seres que ya no tienen nada que decir; sigue facilitando las posibilidades de interacción entre seres que ya no tienen ganas de entablar relación con nadie.” El pintor Rafael Valenzuela Rueda en este óleo titulado precisamente “Desarraigo” parece visualizar a la perfección estas características de la sociedad moderna. Contemplamos a una oficinista, sentada ante su escritorio vacío, en el desierto metafórico del aislamiento personal. El cuadro aborda de manera implícita la peor de las soledades: sentirse solo entre mucha gente. La multitud, los compañeros de trabajo, el enjambre humano de los edificios de oficinas, están presentes por omisión, pero no se visualizan porque aquí lo que cuenta y se plasma es la percepción de desamparo de la protagonista. La paradoja está servida. En la era de la comunicación pueden producirse los autismos más profundos, las soledades más devastadoras. La persona se fragmenta, los sentidos se dispersan y la voluntad desfallece en un sistema de valores que exalta el éxito y que se nutre de provocar el deseo efímero y consumista de los individuos. Valenzuela, en esta obra surrealista y a la vez simbólica, refleja sin concesiones los efectos colaterales de esa autopista de dirección única que llamamos progreso. |
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Comentario realizado por: Pons Tello - 2007-05-24 00:00:00
Título obra: Cds pintados 1-2 - rafaelpiedehierro La Rueda de la Ley, la Verdad y la Vida es uno de ocho emblemas de la buena suerte del budismo chino. Este simbolismo, como el del círculo o la circunferencia, alude al misterio de la rotación de todo lo cíclico. El eterno retorno donde principio y fin se confunden, donde el nacimiento y la muerte son simples movimientos del tránsito giratorio. Contemplando esta interesante obra, homenaje a lo pequeño y afirmación de que cualquier objeto puede convertirse en arte, el espectador puede sentir la tentación de imaginarse el cd girando y girando en la disquetera del reproductor, iluminado por el haz de luz láser. ¿Qué música sonaría para complementar este esfuerzo plástico, digno de un consumado miniaturista? ¿Qué banda sonora haría justicia a este carrusel artístico que daría vueltas sobre sí mismo para encontrar la conexión de todo con todo? El artista con su mirada, igual que el haz de luz láser, lee aquello que no se ve a simple vista y nos introduce en mundos particulares. Macrocosmos y microcosmos se entremezclan. Lo pequeño deviene grande en el movimiento perpetuo de las cosas y un humilde cd puede aparecer como el centro del universo gracias a la creatividad y a la imaginación. |
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Comentario realizado por: Pons Tello - 2007-05-23 00:00:00
Título obra: retrato de una puerta 7 - CarloS Toda puerta implica la posibilidad de pasar al otro lado, la existencia de otra realidad más allá de la pared. Una puerta abierta es algo así como el desfallecimiento de la solidez del muro. En esta obra, el umbral de tránsito tiene lugar en las ruinas de una casa abandonada rodeada de vegetación. Vemos lo que fue un entorno doméstico, pequeña patria íntima que ha desaparecido. El ojo del espectador mira desde un lugar que fue y ya no es, y contempla al otro lado del edificio semiderruido la frondosidad de la naturaleza. Plantas y arbustos han recuperado aquel terreno circundante que les fue arrebatado para uso humano y que ahora reconquistan con renovada fuerza. La vitalidad de este jardín silvestre y aleatorio contrasta con la decrepitud del caserón. El aparente caos de la flora se impone al intento de ordenación urbanística. En un mundo vertiginoso, donde los acontecimientos se suceden con inusitada rapidez, la desaparición deviene una metáfora identificadora del signo de los tiempos. Todo cambia sin cesar y no es raro pues que las personas que no han perdido la memoria, y más aún los artistas de mirada lúcida, se conviertan en coleccionistas de desapariciones. A veces para interpretar el mundo, la vida, y quizás a nosotros mismos, tenemos que acudir a los vestigios y a los restos de lo que un día existió en todo su esplendor, y aprender la dura lección de la humildad. Todo es efímero y sólo queda la belleza fugaz, bendita belleza fugaz, del instante fijado en la fotografía. |
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Nos hemos de remontar a los tiempos del poeta latino Horacio. Ya entonces se consideraba la pintura como una forma de poesía muda y la poesía, como una variante de pintura hablada. En este universo de palabras y silencios, de visibilidades e invisibilidades, se engendra uno de los principios del arte: tan importante es lo que se muestra al espectador (lo que se dice, lo que se sugiere) como aquello que se le oculta (que se calla, que se omite). Poesía y pintura, palabras pintadas y pigmentos que se dirían recitados, se funden en esta obra con naturalidad. La artista domina disciplinas diversas, como diverso es el complejo juego de la vida. Universo rojo y abierto como las páginas de un libro. |
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La espiral representa la evolución del universo. En el “Diccionario de símbolos” de Juan-Eduardo Cirlot se lee: “Del seno del abismo insondable surgió un círculo formado por espirales... Enroscada en su interior, siguiendo la forma de las espirales, yace una serpiente, emblema de la sabiduría y de la eternidad”. En esta obra, la espiral deviene centro potencial que sugiere creación, movimiento, desarrollo. También puede ser vista como emblema de los fenómenos atmosféricos y, este sentido, asociada al hálito vital y al soplo creador que transforma inevitablemente las cosas. Icono de la fuerza desatada de la creatividad cósmica. Muchos bailes primitivos de carácter mágico evolucionaban siguiendo una línea espiral. Este tránsito concéntrico provocaba el éxtasis y permitía la evasión del mundo terrestre para penetrar en el más allá. Allá donde lo humano entra en contacto con las fuerzas dinámicas del macrocosmos. |
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Uno de los aspectos interesantes de la postmodernidad consistía en asumir el ideal romántico de que es posible la comunicación trascendente a través de la simple experiencia estética. Pero toda estética conlleva una ética. El Arte ya no aspira a plasmar la Belleza como fenómeno atemporal, sino como diría Baudelaire “a plasmar lo eterno en el instante”. El título de esta obra deviene revelador. Nada queda, en efecto, porque todo es efímero. La materia del universo (de los infinitos universos grandes y pequeños) es dinámica y se transforma sin cesar igual que el artista varía la obra según el momento emocional, intuitivo o racional. La realidad matérica, lo pretenda el artista o no, aparece como un discurso misterioso, como misteriosos son los relieves del tronco de un árbol, las grietas de una roca o la orografía sedimentada de un terreno fluvial. El artista como la Naturaleza (texturadora suprema) atrapa instantes y los convierte en efímeramente eternos. |
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Una obra muy sugerente. Se diría que el personaje central medita en medio de una estructura de laberinto y quiere encontrar salida a sus dudas existenciales. |
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En momentos de penúria los pueblos primitivos invocaban a los dioses. También la persona contemporánea necesita, aunque sea de vez cuando, dialogar con las divinidades de la tierra y del cielo. Mostrarse humilde ante la inmensidad del universo, poner rostro a lo desconocido y confiar en la providencia. |
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El rostro como espejo del alma. Fusión de rostros, espíritus en armonía, en un planteamiento compositivo que sugiere la confraternización universal. Lazos de almas en mestizaje perpetuo. |
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Comentario realizado por: Pons Tello - 2007-02-02 00:00:00
Título obra: De lo real y lo quimérico3 - margopo Se diría que esta composición en rojos es una alegoría del deseo. Deseo de ver, de percibir sin barreras, de transitar por la utopía y lo quimérico. Deseo de ser y de transformar la realidad a través del Arte. |
La perfección no es cosa pequeña, pero está hecha de pequeñas cosas. Miguel Ángel Buonarroti
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